Nontiscordardimé / Forget-me-not

di/by Francisco Macfarlane e/and Francesco Pennacchio

a cura di/curated by Francesco Pennacchio

in collaborazione con/in collaboration with Experimental Photo festival 2024 - Horizontal Portfolio Review

EN

In an age where we encounter more images by midday than a 19th-century individual saw in a lifetime, does the image still hold significance? Can it still carry the weight of transformation, of revelation?

Francisco Macfarlane and Francesco Pennacchio explore these questions from two distinct perspectives, using imagemaking to confront absence and evoke rebirth. Macfarlane confronts the fragility of the human condition in an era defined by hyperconnectivity, where meaning often drowns in a sea of fleeting moments. Pennacchio, by contrast, reconstructs fragmented memories of his mother, who was lost to him in early childhood, filling the void with resonances of her presence.

Both artists are driven by ruptures - gaps in identity, memory, and belonging. For Macfarlane, absence emerges as a crisis of human connection in the digital era; for Pennacchio, it is a haunting presence-absence that demands reconstruction. Yet, through their individual exploration, they arrive at a shared understanding: the image is not merely a document or artifact. It is a vessel, capable of holding grief, summoning remembrance, and birthing something anew. 

Here, the works of the two artists engage in dialogue. Macfarlane investigates social behaviors, employing alternative photographic techniques to address themes such as our relationship with technology and personal healing. From a more figurative perspective, Pennacchio, tries to reconstruct memory and deal with a childhood grief through archival photographs, polaroids, and film photography. 

In their hands, the image becomes a site of healing, a space where absence is acknowledged, and rebirth is made possible. Sometimes, their images transcend the boundaries of space and time, collapsing the distance between what was, what is, and what could have been. They invite us to navigate memory and presence as fluid, interwoven dimensions, and they challenge us to rediscover the image as a source of transformation in a world saturated with visual noise.

Pennacchio was 3 when he asked his question. It was the spring after his mother, Emanuela, died of cancer. 

This conversation took place in the garden, an ecosystem governed by annual cycles, transforming with the seasons and revealing the different stages of life. It took place in the garden, our point of connection with nature and a powerful sensory stimulator. And a garden is what is reconstructed in this inner room, at the heart of the exhibition. A place which naturally evokes memory and the passage of time. 

Historically, we associate spring with rebirth and autumn with decay, constructing narratives that refer to moments lived or idealized memories. Yet, even in nature, what appears as rebirth may more accurately be the arrival of the new generation. This play between life and death, intrinsically linked to the garden, raises questions about the nature of memories. Are these memories a true connection with what happened, or are they evolving entities - alive, mutable, and thriving as we engage with them? Like a well-tended plant, memory grows and transforms with care and attention, shaping itself anew each time we revisit it. As for the main room, the two artists engage here in a dialogue between their practice. 

Macfarlane makes plantogramms, simplifying several steps of the traditional photographic process to represent the essence of the natural world. Through this procedure, the textures, shapes, and details of the plants are printed directly onto the paper. This method establishes a more intimate and organic link with the natural world, as it involves the act of walking the streets, collecting, and carefully observing the sprouts that emerge around him. These plants become protagonists and narrators, leaving an imprint on the paper that evokes at the same time the fragility and persistence of time.

Pennacchio juxtaposes the uninterrupted cycles of renewal in the natural world with the broken, fragmented family memories of his own, represented by frames from the family archive. His polaroids are presented as metaphors for physical building blocks in the reconstruction of his missing memory. This dialogue between new and archival images becomes an attempt to engage in never-had conversations, seeking to bridge past and present. His work suggests that memory is not static; it is alive, shifting and adapting as we nurture it. A perfect metaphor is the jasmine vine, here represented, that Pennacchio’s mother, Emanuela, planted and nurtured, and which continues to bloom each year, a living testament to her presence. 

IT

In un’epoca in cui, entro mezzogiorno, siamo esposti a più immagini di quante ne vedesse un individuo del XIX secolo in una vita intera, l’immagine conserva ancora un significato? Può ancora essere veicolo di trasformazione, di rivelazione?

Da prospettive distinte ma convergenti, Francisco Macfarlane e Francesco Pennacchio esplorano il processo di creazione delle immagini come strumento per confrontarsi con un’assenza e per evocare una rinascita. Macfarlane indaga la fragilità della condizione umana in un’era segnata dall’iperconnettività, dove il significato spesso si disperde in un flusso incessante di istanti fugaci. Pennacchio, invece, ricostruisce frammenti di memoria legati alla madre, scomparsa nell’infanzia, cercando di colmare tale vuoto con le risonanze della sua presenza.

Entrambi gli artisti partono da fratture: assenze che toccano l’identità, la memoria e il senso di appartenenza. Per Macfarlane, l’assenza si manifesta come una crisi della capacità dell’uomo di tessere relazioni nell’epoca digitale; per Pennacchio, come una presenza-assenza che esige un lavoro di ricostruzione. Tuttavia, attraverso percorsi creativi distinti, giungono a una visione comune: l’immagine non è solo un documento o un artefatto. È un contenitore che può accogliere il dolore, evocare il ricordo e generare nuova vita.

Qui, le opere dei due artisti entrano in dialogo. Macfarlane esplora comportamenti sociali, utilizzando tecniche fotografiche alternative per affrontare il nostro rapporto con la tecnologia. Da una prospettiva più figurativa, Pennacchio cerca di ricostruire la memoria e di elaborare un lutto infantile attraverso fotografie d’archivio, polaroid e fotografia analogica.

Nelle loro mani, l’immagine diventa un luogo di guarigione, uno spazio in cui l’assenza viene riconosciuta e la rinascita resa possibile. Talvolta, le loro opere trascendono i limiti dello spazio e del tempo, dissolvendo la distanza tra ciò che è stato, ciò che è e ciò che sarebbe potuto essere. Invitano lo spettatore a esplorare memoria e presenza come dimensioni fluide e intrecciate, e ci sfidano a riscoprire il potenziale trasformativo dell’immagine in un mondo sovraccarico di rumore visivo.

Pennacchio aveva 3 anni quando fece questa domanda. Era la primavera successiva alla morte della madre, Emanuela, scomparsa a causa di un cancro.

Accadde in giardino, un ecosistema governato da cicli annuali, che si trasforma con le stagioni ed è simbolo delle diverse fasi della vita. Accadde in giardino, punto di connessione con la natura e un potente stimolo sensoriale. Ed è proprio un giardino quello che viene ricostruito in questa stanza interna, al cuore della mostra. Un luogo che evoca naturalmente la memoria e il passare del tempo.

Storicamente, associamo la primavera alla rinascita e l’autunno alla decadenza, costruendo narrazioni che rimandano a momenti vissuti o a ricordi idealizzati. Eppure, anche in natura, ciò che appare come una rinascita è spesso, più precisamente, l’arrivo di una nuova generazione. Questo gioco tra vita e morte, decadimento e rinascita, solleva interrogativi sulla natura dei ricordi. Questi ricordi sono una connessione autentica con ciò che è stato o entità evolutive - vive, mutevoli, e in continua trasformazione man mano che interagiamo con esse? Come una pianta ben curata, la memoria cresce e si trasforma con attenzione e dedizione, rinnovandosi ogni volta che la riviviamo. Nella sala principale, i due artisti dialogano attraverso le loro pratiche su temi di memoria, cura, e rinascita.

Macfarlane presenta qui i suoi plantogrammi, semplificando diversi passaggi del processo fotografico tradizionale per ricondurci alla sua essenza. Attraverso questa tecnica, le trame, le forme e i dettagli delle piante vengono impressi direttamente sulla carta. Questo metodo stabilisce un legame più intimo e organico, coinvolgendo l’atto di camminare per le strade, raccogliere e osservare attentamente i germogli che emergono intorno a lui. Queste piante diventano protagoniste e narratrici, lasciando un’impronta sulla carta che evoca la fragilità e la persistenza del tempo.

Pennacchio giustappone i cicli ininterrotti di rinnovamento della natura con i suoi ricordi familiari frammentati o mancanti, rappresentati da fotogrammi dell'archivio di famiglia. Le sue polaroid si presentano come metafore dei mattoni necessari per la ricostruzione di una memoria assente. Questo dialogo tra nuove immagini e immagini d'archivio diventa un tentativo di avviare conversazioni mai avute, cercando di creare un ponte tra passato e presente. Il suo lavoro suggerisce che la memoria non è statica; è viva, mutevole e si ricompone man mano che la coltiviamo. Una metafora perfetta è il gelsomino, qui raffigurato, che la madre di Pennacchio, Emanuela, piantò e curò, e che continua a fiorire ogni anno, un testimone vivente della sua presenza.

BIOS